Nascido em Seattle em 27 de Novembro de 1942, James Marshall Hendrix começou tocando Blues, influenciado por Muddy Waters e Robert Johnson. Tocou em diversas bandas com amigos até se mudar para New York, em 1963, onde passou a trabalhar como músico de estúdio, gravando e tocando com os Isley Brothers, Jackie Wilson, Sam Cooke e Little Richards.

Foi justamente acompanhando Richards que Jimmy James (nome que usava na época) conseguiu um contrato de dois anos com a gravadora Columbia. Monta a banda Jimmy James and The Blue Flames, e o baixista do grupo The Animals, Chas Chandler, torna-se seu empresário.

Resolvem reformular a banda, fazendo um trio. Mitch Mitchell assume as baquetas, Noel Redding o baixo. Estava formado o The Jimi Hendrix Experience. Chandler os levou para Londres, onde gravaram três ‘singles’, “Hey Joe”, “Purple Haze” e “The Wind Cries Mary”. Com a enorme divulgação que estavam tendo em programas de TV e rádios inglesas, decidem gravar o primeiro álbum.

Sai então, em 1967, o LP “Are You Experienced”, um dos maiores discos da história do Rock. Estreiam na América no Monterey Pop Festival, na Califórnia, seguindo a turnê como banda de abertura dos Monkees. Ainda em 1967 sai o segundo álbum, “Axis: Bold as Love”, e no ano seguinte “Electric Ladyland”.

Em 1969, no entanto, o Experience se desfez e Hendrix monta uma nova banda com Mitch Mitchell, Billy Cox, o segundo guitarrista Larry Lee e os percussionistas Juma Sultan e Jerry Velez. O nome do grupo mudou para “Band of Gypsys”. Foi nesse mesmo ano, no mês de Agosto, que Hendrix fez a maior apresentação de sua carreira: o Woodstock, onde tocou de forma magistral o hino norte americano.

Em 1970, inaugura seu próprio estúdio, o Electric Ladyland, em Nova York, e se apresenta no festival da Ilha de Wight. O guitarrista faleceu em Londres alguns dias depois, por intoxicação com barbitúricos e sufocado por próprio vômito. Jimi Hendrix morreu, mas continua influenciando gerações, tendo deixado pra sempre sua marca na história do Rock.

Juventude: antes de ser profissional

       Hendrix cresceu tímido e sensível, tendo de ser o responsavel por cuidar de seu irmão mais novo, Leon Hendrix, profundamente afetado por problemas familiares, tais como o divórcio dos seus pais em 1951 e a morte de sua mãe em 1958, quando ele tinha apenas 16 anos. Era muito afeiçoado à sua avó materna, que possuía sangue cherokee, e que incutiu no jovem Jimi um forte sentido de orgulho de seus ancestrais nativos norte-americanos. No mesmo ano, o seu pai, chamado Al Hendrix, deu-lhe um ukelele (instrumento de 4 cordas, introduzido no Havaí pelos portugueses no século XVII), e posteriormente comprou, por apenas US$ 5 dólares, uma guitarra acústica, pondo-o no caminho da sua futura vocação.

Depois de tocar com várias bandas locais de Seattle, Hendrix alistou-se ao exército, juntando-se à 101-a Divisão Aerotransportada (101st Airborne Division) baseada em Fort Campbell, Kentucky, a 80 km da cidade de Nashville, no Tennessee, como pára-quedista. Ali ele serviu por menos de 1 ano e recebeu dispensa médica após fraturar o tornozelo em um salto. Mais tarde ele diria que o som do ar assobiando no pára-quedas era uma das fontes de inspiração para o seu som "espacial" na guitarra.

Não há nenhum registo médico no exército americano sobre a dispensa de Hendrix. Em 2005, Charles Cross, que foi autor da biografia do líder do Nirvana, Kurt Cibain, publicou no seu livro "Room Full of Mirrors", que o guitarrista alegou estar apaixonado por um dos seus colegas do seu agrupamento, numa visita ao serviço psiquiátrico em 1962, em Fort Campbell (Estado do Kentucky). Aquilo era mentira, segundo Cross, que relata a preferência do músico por mulheres. "Ele queria apenas escapar do exército para se dedicar à música."

Hendrix, que se alistou como voluntário para a Guerra doVietnã, nunca esteve em combate, porém as suas gravações tornaram-se as favoritas entre os soldados que lá lutavam. Inicialmente levou uma vida precária tocando em bandas de apoio a músicos de soul e blues como Curtis Knight, B.B King, e Little Richard em 1965. Sua primeira aparição destacada foi com os Isley Brothers, principalmente no "Testify" em 1964.

Morte

Hendrix permaneceu na Inglaterra e, no trágico dia 18 de Setembro, foi encontrado na cama do quarto de um hotel onde estava com uma namorada alemã, Monika Dannemann, desacordado após ter tomado nove pílulas de Vesperax (forte analgésico), tendo, em seguida, se asfixiado em seu próprio vômito. O laudo do hospital disse que Hendrix chegou ao hospital já morto. Seu corpo foi mandado de volta para casa e enterrado no Greenwood Memorial Park, em Renton, estado de Washigton, nos Estados Unidos.

Legado

Parte do estilo único de Hendrix se deve ao fato dele ter sido um canhoto que tocava uma guitarra para destros virada ao contrário com suas cordas invertidas . Embora ele tivesse e usasse diversos modelos de guitarra durante sua carreira (incluindo uma Gibson Flying V que ele decorara com motivos psicodélicos), sua guitarra preferida, e que será sempre associada a ele, era a Fender Stratocaster, ou "Strat". Ele comprou sua primeira Strat por volta de 1965, e usou-as quase constantemente durante o resto de sua vida.

Uma característica da Strat que Hendrix utilizou ao máximo foi a alavanca de trêmolo, patenteada pela Fender, que o habilitou a "entortar" notas e acordes inteiros sem que a guitarra saísse da afinação. O braço relativamente estreito da Strat, de fácil ação, foi também perfeito para o estilo envolvente de Hendrix e potencializou enormemente sua grande destreza - como pode ser visto em filmes e fotos, as mãos de Jimi eram tão grandes que lhe permitiam pressionar todas as seis cordas com apenas a parte de cima do seu polegar, e ele podia, pelo que dizem, tocar partes rítmicas e solos simultaneamente.

As Statocasters foram primeiramente popularizadas por Buddy Holly e pela banda britânica The Shadows, mas elas eram quase impossíveis de serem obtidas no Reino Unido até a metade da década de 60, devido às restrições de importação do pós-guerra. O surgimento de Hendrix coincidiu com o fim dessas restrições, e ele, de forma indiscutível, fez mais do que qualquer outro músico para tornar a Stratocaster a guitarra elétrica mais vendida na história. Anteriormente à sua chegada ao Reino Unido, a maioria dos músicos mais conhecidos utilizava guitarras Gibson e Rickenbacker, mas depois de Hendrix, quase todos os principais guitarristas, incluindo Jeff Beck e Eric Clapton, trocaram para as Fender Strats. Hendrix comprou várias Strats durante sua vida; ele deu várias de presente (incluindo uma dada ao guitarrista do ZZ Top Billy Gibbons), mas muitas outras foram roubadas e ele mesmo destruiu diversas delas em seus famosos rituais de queima da guitarra ao final dos shows.

As partes queimadas e quebradas de uma Stratocaster que ele destruiu no Miami Pop Festival em 1968 foram dadas a Frank Zappa, que mais tarde a reconstruiu e tocou com ela extensivamente durante os anos 70 e 80. Depois da morte de Zappa, a guitarra foi posta à venda pelo filho de Zappa, Dweezil. Em maio de 1992, Dweezil colocou a guitarra à leilão nos Estados Unidos, esperando faturar US$ 1 milhão de dólares, mas a venda não foi efetuada. Tentou novamente leiloá-la em Setembro, por 450 mil libras (em torno de 650 mil Euros), mas mais uma vez a venda não foi efetuada. A maior oferta feita por telefone, de 300 mil libras (em torno de 430 mil Euros) foi recusada. A lendária Strat branca de 1968 que Hendrix tocou no Woodstock foi vendida na Casa de Leilões Sotheby de Londres, em 1990, por £ 174 mil (em torno de 250 mil Euros). A guitarra foi re-vendida em 1993 por £ 750 mil.

Hendrix foi também um revolucionário no desenvolvimento da amplificação e dos efeitos com a guitarra moderna. Sua alta energia no palco e volume elevado com o qual tocava requeriam amplificadores robustos e potentes. Durante os primeiros meses de sua turnê inicial ele usou amplificadores Vox e Fender, mas ele rapidamente descobriu que eles não podiam aguentar o rigor de um show do Experience. Felizmente ele descobriu o alcance dos amplificadores de guitarra de alta potência fabricados pelo engenheiro de áudio inglês Jim Marshall e eles se mostraram perfeitos para as necessidades de Jimi. Assim como ocorreu com a Strat, Hendrix foi o principal promotor da popularidade das "Pilhas Marshall" e os amplificadores Marshall foram cruciais na modelagem do seu som pesado e saturado, habilitando-o a controlar o uso criativo de "feedback" (N.T. microfonia) como efeito musical.

Hendrix foi também constante na procura de novos efeitos de guitarra. Ele foi um dos primeiros guitarristas a se lançar além do palco a explorar por completo as totais possibilidades do pedal wah-wah. Ele também teve um associação muito proveitosa com o engenheiro Roger Mayer e fez uso extensivo de muitos dos dispositivos desenvolvidos por ele, incluindo a "Axis Fuzz Unit" , o "Octavia octavia doubler" e o "UniVibe", uma unidade de vibrato desenvolvida para simular eletronicamente os efeitos de modulação dos alto-falantes Leslie. O som de Hendrix era uma mistura única de alto volume e alta força, controle preciso do "feedback" e uma variação de efeitos de guitarra cortantes, especialmente a combinação "UniVibe"-"Octavia", que pode ser escutada na sua totalidade na versão ao vivo de 'Machine Gun' gravada pela 'Band of Gypsys'.

A despeito da sua agitada agenda de turnês e seu perfeccionismo notório, ele era também um produtivo artista que deixou mais de 300 gravações inéditas, além de seus três LPs oficiais e vários compactos. Ele se tornou lendário como um dos grandes músicos do rock da década de 60 que, tal como Janis Joplin, Jim Morrisn e Brian Jones se lançaram para o estrelato, tiveram sucesso por apenas uns poucos anos, e morreram ainda jovens.

Jimi Hendrix foi um símbolo do movimento hippie e nunca esqueceremos a sua música e o seu espirito de trabalhador exigente, porém criativo. Não esqueceremos também que ele foi o melhor guitarrista do mundo.

Na falta de um testamento, Al Hendrix, pai de Jimi, herdou os direitos e "royalties" das gravações do filho, e confiou-os a um advogado, o qual supostamente enganou Al convencendo-o a vender esses direitos a companhias pertencentes a ele próprio. Al processou-o em 1993 por administrar de forma incompetente esses bens. O processo foi financiado pelo co-fundador da Microsoft, Paul Allen, um fã devoto de Hendrix de longa data. Em uma resolução de 1995, Al Hendrix finalmente recuperou o controle sobre todas as gravações do filho. Diversos álbuns foram então remasterizados a partir das fitas originais e relançados. Al Hendrix morreu em 2002 com 82 anos. O controle dos bens e da companhia Experience Hendrix, que fora montada para administrar o legado de Hendrix, passou então à meia-irmã de Jimi, Janie.

Em 2004, Janie Hendrix foi processada por seu meio-irmão, Leon Hendrix, irmão mais novo de Jimi, o qual foi deixado de fora do testamento de seu pai, em 1997. Ele buscava a restauração de sua parte na herança e a remoção de sua meia-irmã da posição de controle da propriedade de Hendrix.

 

O Barão Vermelho nasceu em 1981, no Rio de Janeiro, a partir da vontade de Roberto Frejat, Guto Goffi, Dé Palmeira e Maurício Barros de tocar rock’n roll em estado puro. Mas só no ano seguinte, os quatro integrantes encontrariam o vocalista Cazuza e gravariam o primeiro LP, "Barão Vermelho", pela Som Livre, fazendo alguns shows apenas no Rio e em São Paulo. Depois do lançamento do disco "2", que inclui a faixa "Pro Dia Nascer Feliz", vem o sucesso nacional em 1984 com "Beth Balanço", da trilha sonora do filme de mesmo nome e presente no terceiro disco do grupo, "Maior Abandonado". Em janeiro de 1985 participam do festival Rock In Rio e em junho é anunciada a saída do vocalista Cazuza, que parte para carreira solo, e a entrada de Fernando Magalhães e Peninha.

Frejat passa a ser vocalista e o Barão Vermelho assina contrato com a Warner.  Em 1988 lançam o sexto álbum “Carnaval”, que tem a faixa “Pense e Dance” incluída na trilha sonora da novela Vale Tudo, de Gilberto Braga.  Sucesso absoluto, o Barão fecha o ano fazendo o show de abertura da turnê de Rod Stewart no Brasil.  Em 1989, com a popularidade em alta, a banda grava seu sétimo disco, “Barão ao Vivo”, na Dama Xoc, em São Paulo.

Em 1990, o Barão Vermelho participa do Hollywood Rock e é considerado o melhor grupo nacional do festival. No mesmo ano, o baixista Dé é substituído por Dadi, ex-integrante dos Novos Baianos e do A Cor do Som. A banda grava o oitavo disco, “Na Calada da Noite”, escolhido em 1991, por unanimidade de público e crítica da revista Bizz, como o melhor Disco do Ano. Todos os integrantes da banda são apontados, em suas respectivas categorias, os melhores de 90, incluindo Peninha, Fernando Magalhães e Dadi. Em julho, o Barão Vermelho recebe o prêmio Sharp de melhor grupo de rock de 1990. O baixista Dadi é substituído por Rodrigo Santos, que está no grupo até hoje.

Com mais de uma década de estrada, o Barão Vermelho é eleito mais uma vez pelo público e crítica como o melhor grupo do Hollywood Rock 92. No mesmo ano, recebeu o segundo Prêmio Sharp, como melhor banda de rock. Lançado em dezembro de 1999, “Balada MTV – Barão Vermelho” é uma retrospectiva eletro-acústica do grupo, com os melhores momentos da carreira, em novos arranjos. Gravado ao vivo, o CD inclui ainda a inédita "Enquanto Ela Não Chegar" e regravações de Raul Seixas, Cazuza e Legião Urbana.

Em 2001, depois de mais uma apresentação surpreendente no Rock in Rio 3 – Por um Mundo Melhor, o Barão Vermelho faz uma pausa para seus integrantes desenvolverem projetos paralelos.  

Em 2004 eles lançaram “Barão Vermelho”, que mostra o puro rock’n roll do início de carreira, com hits como ‘Cuidado’ e ‘A chave da porta da frente’, já estourada nas rádios de todo o Brasil, além de ‘Embriague-se’, ‘Cara a Cara’, “Cigarro aceso no braço” e “Para toda vida”, entre outras.  O CD marca o último trabalho do produtor Tom Capone com a banda.
 
Ao todo são 23 anos de carreira e 15 CDs, que mantém o Barão Vermelho como uma das principais grifes do Rock Brasil. "Declare Guerra", "Por Que A Gente É Assim", "Quem Me Olha Só", "Pense e Dance", "Torre de Babel", “Billy Negão”, “Por você”, "O Poeta Está Vivo", "Supermercados da Vida", "Malandragem Dá um Tempo" e "Puro Êxtase" são alguns dos hits inesquecíveis que agregam diferentes gerações nos shows da banda pelo Brasil.  

Atualmente a formação do Barão Vermelho é composta por Roberto Frejat (guitarra e voz), Fernando Magalhães (guitarra), Rodrigo Santos (baixo), Guto Goffi (bateria) e Peninha (percussão). Nos shows contam com a participação especial de Maurício Barros (teclados).

Em agosto de 2005, o Barão Vermelho subiu ao palco do reformulado Circo Voador para gravar o seu primeiro DVD, dentro do projeto MTV ao Vivo. Joana Mazzucchelli cuidou da direção de imagens, enquanto coube à Ezequiel Neves a direção musical também para o CD.  O DVD reproduz a euforia e o entusiasmo dos fãs em ver o grupo em seu melhor momento de carreira, prestes a completar ¼ de século de estrada. No repertório do CD e DVD estão clássicos do grupo, além da única música inédita, “Nosso Mundo”, composição de Guto Goffi e Maurício Barros.  

O elemento surpresa do Barão MTV ao Vivo fica por conta da dobradinha virtual, entre Cazuza e Frejat – este interpretando pela primeira vez - na canção “Codinome Beija-Flor”, de Cazuza e Ezequiel Neves, escolhida como música de trabalho deste novo CD.

O paulistano Guilherme Arantes nasceu em 28/07/1953. Filho do médico formado pela USP, Dr. Gelson Lima Arantes  e Hebe Planet Martuscelli, bibliotecária e professora de línguas, tem duas irmãs: Ana Cristina, professora universitária e Heloísa, formada em medicina.

Falando um pouco de sua vida pessoal, passou por três casamentos. Do relacionamento com a arquiteta paulista Márcia nasceu  Marietta. Do casamento com Luíza, ex-integrante do grupo Gang 90 & Absurdettes, nasceram os filhos Gabriel, Pedro e Tiago. Em 1996 conheceu Claudhia Engelman com quem teve a segunda menina, Paola.

Aos 5 anos Guilherme Arantes já tocava cavaquinho. Foi muito influenciado pelo pai que gostava muito de música, comprava discos e apreciava músicos regionais, como Paulo Vanzolini. Aprendeu piano com 6 anos de idade.  Na adolescência integrou o grupo Os Polissonantes que tinha como baixista o ator Kadu Moliterno. Mas o primeiro trabalho profissional com registro em disco e shows foi o Moto perpétuo - em 1974 um único LP foi lançado pela gravadora Continental, produzido pelo jornalista Moracy do Val (ex-"Última Hora" e que lançou o grupo "Secos & Molhados"). O show de estréia do Moto Perpétuo foi no Teatro 13 de Maio, em São Paulo, no mês de novembro. Depois o grupo foi desfeito já que Guilherme desejava fazer um trabalho mais ligado à música popular. Arantes também trabalhou com a produção de jingles e vinhetas para os estúdios Pauta e Vice-Versa. A arquitetura chegou a empolgar Guilherme Arantes, durante um tempo, mas acabou por abandonar o curso em 1975, trancando matrícula na FAU, de São Paulo, para se dedicar à música.

A carreira solo deu início a partir, então, de 1975, quando apresentou uma fita com suas músicas em várias gravadoras. Em 76, surgiu o convite da Som Livre que se interessou especificamente por Meu Mundo e Nada Mais que tinham lançado na novela "Anjo Mau", como tema do personagem Nice, vivido pela atriz Susana Vieira. Guilherme Arantes passou a ser transformado numa espécie de ídolo nacional pelo rádio e TV, após a gravação de um compacto com a música-tema da novela. A balada estourou nas paradas de sucessos de todo o Brasil e veio o primeiro LP. O jovem cantor e compositor tinha 23 anos mas as músicas do disco tinham sido compostas em sua adolescência. A Cidade e a Neblina, por exemplo, foi composta com 17 anos. Do mesmo disco, estourou no rádio Descer a Serra e Cuide-se Bem (novela "Duas Vidas"). Além da Som Livre passou pelas gravadoras Wea, CBS/Sony, EMI-Odeon e PlayArte. No ano 2000, o músico mudou-se para Camaçari (BA), onde fundou a ONG "Planeta água" e passou a produzir seus próprios discos em seu estúdio. O primeiro foi um disco instrumental " New Classical Piano Solos" - lançado em Nova Iorque e distribuído pela Sony Music.  Em 2003, de volta à Som Livre "Aprendiz" trouxe mais um tema de novela "Casulo" (Agora é Que São Elas). Em agosto de 2007 lançou "Lótus", novo disco produzido em seu estúdio "Coaxo do Sapo", com distribuição da Som Livre.

Entre 1982/83, Guilherme Arantes chegou a bater o recorde em arrecadação de direitos autorais, superando Caetano Veloso, Chico Buarque, Rita Lee e Jorge Benjor. Na lista do ECAD ele comparecia com mais de três músicas em execução - Pedacinhos, Brincar de Viver, Lindo Balão Azul e Labirinto. Desde então Guilherme Arantes vem colecionando sucessos, atravessando altos e baixos, como muitos artistas da MPB - fato comum atualmente no meio musical, constantemente bombardeado por modismos comerciais.

O FIC - "Festival Internacional da Canção" promovido pela Rede Globo em 1970, foi a primeira incursão solo de Guilherme Arantes num festival, quando inscreveu duas músicas - uma delas Purus Paralelo VII, recusadas na fase de pré-seleção. Também fez participações com o grupo Moto Perpétuo no "Festival de Águas Claras".

Em 1979, Guilherme chegou até a semifinal do "Festival 79", promovido pela extinta TV Tupi, com a música Estatísticas, lançada em compacto simples pela Wea. Despontavam também nomes como Alceu Valença, Walter Franco, Belchior, Luis Guedes e Thomas Roth. O vencedor foi Raimundo Fagner com "Quem Me Levará Sou Eu" (Dominguinhos).

No ano de 1980, a Rede Globo criou o "MPB 80" e Guilherme Arantes inscreveu a música Fantoches do LP "Coração Paulista" que chegou até a segunda fase classificatória. O festival foi organizado pelo saudoso Augusto César Vanucci que divulgou o cantor Jessé e os sucessos Rasta Pé, e A Massa, com o baiano Raimundo Sodré. Também promoveu o retorno da cantora Joyce, do Quinteto Violado e de Lecy Brandão. O vencedor foi Oswaldo Montenegro com Agonia.

Em 1981 a expectativa do público não foi correspondida pelo júri de 138 pessoas que deu a vitória a Purpurina, composição do gaúcho Jerônimo Jardim, defendida por Lucinha Lins. Planeta Água de Guilherme Arantes, mesmo classificada em segundo lugar foi o grande sucesso do festival "MPB-Shell-81" e teve grande execução nas rádios de todo o Brasil.

Guilherme Arantes era a grande expectativa da noite no Maracanãzinho. Foi recebido com muitos aplausos e, mesmo antes de cantar, já eram ouvidos os gritos de "já ganhou". O refrão final "terra, planeta água" foi repetido em coro diversas vezes. Até Lucinha Lins reagiu quando foi cotada para melhor intérprete do festival. E quando foi defender a música Purpurina, durante 15 minutos foi fortemente vaiada pelas quase 30 mil pessoas presentes que atiravam uma chuva de bugigangas, bolinhas de papel e falavam palavrões quando anunciaram o resultado. Fizeram Lucinha ser obrigada a se esconder atrás do microfone e, posteriormente a se afastar da música por um certo tempo. Ao mesmo tempo em que não aceitando a classificação, o público e a maioria dos concorrentes gritavam "é campeão". A terceira colocação ficou com Mordomia, defendida por Almir Guineto e o Grupo Exporta Samba.

Lucinha Lins - ''Hoje é fácil lembrar o episódio Purpurina, mas, naquele momento, eu não tinha a menor consciência do que estava acontecendo. Não sentia nada, fiquei completamente anestesiada. Foi uma catarse, as pessoas enlouqueceram. No dia seguinte, eu tinha manchas pelo corpo todo porque o público me atirava aqueles abanadores e, no final das contas, parecia que eu tinha sido desenhada com caneta azul. Quando vejo esse teipe é constrangedor, minha cara aparece toda retorcida'', lembra Lucinha, que, mais tarde, ouviu de Augusto César Vanucci, produtor do festival, que nem os jurados acreditavam na vitória de Purpurina, o que gerou duas recontagens de votos. ''Tenho paixão por aquela música, mas admito que foi uma zebra. Sei que o problema não era comigo. Nunca duvidei do meu talento.''

Guilherme Arantes manteve uma conduta irrepreensível no que diz respeito à aceitação do resultado oficial, quando recebeu o prêmio das mãos de Zé Ramalho. Um comportamento que, a julgar por uma de suas composições, "Aprendendo a Jogar", faz parte de sua filosofia de vida: "nem sempre ganhando, nem sempre perdendo, mas aprendendo a jogar".

Paralelamente, Guilherme tinha outra música no festival MPB-Shell 81, Perdidos Na Selva, com o Grupo Gang 90 & Absurdettes, cuja autoria foi creditada apenas ao jornalista e crítico musical Júlio Barroso, por causa do regulamento que não permitia duas músicas inscritas. O grupo chegou até a quarta eliminatória, mostrando um rock de tradição Jovem Guarda e estrutura narrativa. Guilherme fez o arranjo, o refrão e a participação vocal num compacto lançado pela Wea.

Em 1982, Guilherme Arantes chega a final de mais um festival, o "MPB-Shell 82", trazendo uma canção romântica bem no estilo do intérprete que a defendeu, Cauby Peixoto. Ria de Mim ganhou o prêmio de melhor arranjo da noite e Cauby o de melhor intérprete do festival. A grande vencedora foi Pelo Amor de Deus com Emílio Santiago.

Já foram 24 músicas de Guilherme Arantes inseridas em telenovelas da Rede Globo: Amanhã ("Dancing' Days"), Deixa Chover ("Baila Comigo"), Um Dia Um Adeus ("Mandala"), Ouro ("Sassaricando"), entre outras. Algumas compostas ou adaptadas especialmente para a trama da novela, como Raça de Heróis ("Que Rei Sou Eu?"), Fio da Navalha ("Partido Alto") e Sob o Efeito de Um Olhar ("Vamp").

Arantes também fez músicas para especiais infantís. O grande destaque foi com Lindo Balão Azul ("Pirlimpimpim") na voz dos intérpretes do especial que a Rede Globo apresentou em 1982, marcando os 100 anos da obra de Monteiro Lobato ("Sítio do Pica-Pau Amarelo"). A música se destacou na trilha sonora do especial e se tornou um grande hit, obtendo execução maciça no Brasil e vários países, conquistando um disco de platina para a gravadora  Som Livre.

Outros especiais infantís aconteceram na Globo e Guilherme Arantes ainda compôs Acorda Saci ("A Turma do Pererê", do Ziraldo), cantada por Vandérlea, Brincar de Viver ("Plunct, Plact, Zum!") - grande sucesso de execução na voz de Maria Bethânia, e ainda compôs todas as músicas do "Pirlimpimpim 2", em parceria com o poeta paranaense Paulo Leminsky. Desse encontro nasceu Xixi nas Estrelas gravada por Guilherme Arantes, que também atuou no especial infantil da TV, vivendo o cavaleiro São Jorge. No cinema, Guilherme compôs músicas para os filmes "Menino do Rio" e "Garota Dourada", com músicas inéditas lançadas em disco pela gravadora CBS/Sony. 

Guilherme Arantes faz uma música contemporânea que desconhece limitações. Tem uma visão bastante ampla dos horizontes da música pop. As influências são diversas. Vão do som dos Beatles, Rolling Stones, ao rock progressivo de grupos que fizeram ótimos trabalhos como Yes e Emerson, Lake and Palmer. No Brasil, influências do tropicalismo, Chico Buarque, a bossa-nova de Tom Jobim ao som dos grandes músicos mineiros: Milton Nascimento, Lô Borges,  Beto Guedes e Flávio Venturini.

As músicas de Guilherme Arantes são consagradas não apenas em sua voz mas também nas de outros intérpretes da MPB. Em 1973, aconteceu o primeiro contato. A manequim e atriz Bíbi Vogel, se lançava como cantora e letrista. Negociou com a Som Livre a gravação de um compacto duplo com Amor de Hora Marcada, Mofo, Anúncia Classificada e Daniel. As três primeiras com letra dela e musicadas por Guilherme Arantes, que tinha 19 anos, na época. O compacto saiu com duas músicas e se tornou grande raridade entre colecionadores. Bíbi Vogel mudou-se para Buenos Aires, Argentina, dando continuidade à carreira artística. No Brasil criou a ONG Amigas do Peito. Faleceu no dia 03/4/2004.

Em 81, Elis Regina estava de volta às paradas com Aprendendo a Jogar, música que Guilherme fez pensando na voz dela, nos recursos vocais que Elis possuía. Ela também gravou Só Deus é Quem Sabe. O Rei Roberto Carlos já tinha recebido várias composições de Guilherme, feitas especialmente pra ele e gravou Toda Vã Filosofia, no disco de 88. Caetano Veloso também foi um ponto alto na carreira de Guilherme quando regravou Amanhã, com voz e violão acústico, no disco "Totalmente Demais", em 1990. 

Outros nomes e grupos importantes que gravaram músicas do Guilherme foram: Claudia Telles, Gang 90, Biafra, Ana Belém (Espanha), Hugh Masekela (trompetista sul-africano), Quarteto em Cy, Jessé, Cauby Peixoto, Belchior, Ney Matogrosso, Luiz Ayrão, Sandra Sá, MPB-4, Fafá de Belém, A Cor do Som, Vanusa, Maria Bhetânia, Zizi Possi, Joanna, Leila Pinheiro, Eliete Negreiros, Emilio Santiago, Barão Vermelho, Os Cariocas, 14 Bis, Flávio Venturini, Verônica Sabino, Ná Ozetti, Pena Branca & Xavantinho, Nenhum de Nós, Klébi, Sandy & Jr, Chitãozinho & Xororó, Trovadores Urbanos, Claudinho e Buchecha, Banda Eva, Paulo Ricardo, Blitz, Martn'ália, Isabella Taviani, Carla Visi, Zezé Di Camargo & Luciano, Fat Family, Zé Ramalho, Max Viana e o grupo Cidade Negra.

Aos 16 anos de idade, após perder um tio e ter sido deixado pela namorada, vivenciou uma grave crise depressiva e foi internado numa clínica psiquiátrica. Lá chega à conclusão que cuidar do próximo é a melhor forma de esquecer os próprios problemas e, melhor ainda, se isto for feito com muito bom humor e principalmente amor. Dois anos depois, ingressa na faculdade de medicina da Virginia, onde torna-se conhecido pela sua conduta excessivamente feliz e apaixonada pelos pacientes. Ao término da faculdade , em 1972, funda o Instituto Gesundheit. Em 1980 adquire 317 acres de terra montanhosa em West Virgínia para a implementação física do instituto, o qual presta assistência sem nenhum tipo de cobrança financeira.

Atualmente Patch e sua trupe de palhaços viajam pelo mundo para áreas críticas em situação de guerra, pobreza e epidemia, espalhando alegria, o que é uma excelente forma de prevenir e tratar muitas doenças. Além de médico, humorista, humanista e intelectual, Patch é também um ativista em busca da paz mundial. Segundo ele, seu intuito não é apenas mudar, através do humor, a forma como a medicina é praticada hoje. Patch traz uma mensagem de amor ao próximo que, se praticada por todos nós, certamente irá mudar o mundo para melhor. O filme mostra os conflitos que a medicina apresentava na época e continua ainda nos dias de hoje, apesar da sementa implantda.

• Recebeu uma indicação na categoria de Melhor Trilha Sonora.

• Recebeu duas indicações nas categorias de Melhor Filme em Comédia / Musical e Melhor Ator em Comédia / Musical (Robin Williams).

• Robbinn Williams foi indicado na categoria de Ator Mais Engraçado em Cinema.

• Durante as filmagens, Robin Williams e todo o elenco buscaram ajudar na medida do possível as crianças da Make a Wish Foundation (Fundação Faça um Pedido), que trata de crianças que estão sob tratamento contra câncer, sendo que elas inclusive aparecem no filme, na cena em que o personagem de Williams visita as crianças no setor pediátrico.
• Em um programa de entrevistas na televisão brasileira (Roda Viva), em 2007, Pach Adams afirmou que nunca disse que "rir é o melhor remédio", e sim que o riso "faz parte de um contexto". Renegou o filme "Pach Adams" de Tom Shadyac dizendo que ele não condiz com a verdade, criticou o Governo Americano, a quem chamou de "Terrorista", assim como as industrias de medicamentos, que só visam os lucros bilionários. Sua filosofia de vida é o amor, não apenas no âmbito hospitalar, mas em nossas relações sociais como um todo, independente de lugar. Tem por opinião que o objetivo do médico não é curar e sim cuidar.

• No filme ele inicia a faculdade de Medicina com 40 anos em 1969 sendo que na verdade ele tinha 24 anos neste ano.

• Nos anos 60, foi um de seus melhores amigo e não sua namorada como visto no filme, que foi assassinado.

Recuperando Minha Humanidade

Camilo Mejía

Tradução: Roberto Della Santa Barros

 

“As pessoas me perguntavam sobre minhas experiências da guerra e respondê-las me trouxe de volta todos os horrores: os tiroteios, as emboscadas, a vez que vi como arrastavam pelos ombros um jovem iraquiano sobre um poço de seu próprio sangue ou quando nossas metralhadoras decapitaram um inocente. A vez que presenciei o colapso emocional de um soldado porque havia matado uma criança, ou quando vi um velho ajoelhado, chorando e com os braços erguidos aos céus, talvez perguntando a Deus porque havíamos levado o corpo sem vida de seu  filho.”

 

“Este texto é uma compilação de testemunhos que escrevi na prisão e de meu requerimento de Objeção de Consciência” – Camilo Mejía

“Fui enviado ao Iraque em abril de 2003 e voltei para casa em outubro. Voltar para casa me deu a oportunidade de pôr meus pensamentos em ordem e escutar o que minha consciência tinha a dizer. As pessoas me perguntavam sobre minhas experiências da guerra e respondê-las me trouxe de volta todos os horrores: os tiroteios, as emboscadas, a vez que vi como arrastavam pelos ombros um jovem iraquiano sobre um poço de seu próprio sangue ou quando nossas metralhadoras decapitaram um inocente. A vez que presenciei o colapso emocional de um soldado porque havia matado uma criança, ou quando vi um velho ajoelhado, chorando e com os braços erguidos aos céus, talvez perguntando a Deus porque havíamos levado o corpo sem vida de seu filho.

Pensei no sofrimento de um povo cujo país estava em ruínas e, ainda por cima, era submetido a novas humilhações pelos ataques, patrulhas e toques de recolher de um exército de ocupação.

E me dei conta de que nenhuma das razões que nos deram para estar no Iraque demonstrou-se verdadeira. Não havia armas de destruição massiva. Não havia vínculo entre Saddam Hussein e Al Qaeda. Não estávamos ajudando o povo iraquiano, e este povo não nos queria lá. Não estávamos prevenindo o terrorismo nem tornando mais segura a vida dos estadunidenses. Não pude encontrar uma só razão para termos estado lá, atirando contra pessoas e sendo alvo de tiros.

Voltar para casa me deu a clareza necessária para enxergar o limiar entre o dever militar e a obrigação moral. Me dei conta de que formava parte de uma guerra que considerava imoral e criminosa, uma guerra de agressão, uma guerra de dominação imperial. Me dei conta de que agir de acordo com meus princípios tornou-se incompatível com meu papel no exército, e concluí que não podia voltar ao Iraque.

Ao depor minhas armas, escolhi reafirmar-me como ser humano. Não desertei o exército nem fui desleal aos homens e mulheres do exército. Não fui desleal a um país. Eu apenas fui leal a meus princípios.

Quando me entreguei, com todos meus medos e dúvidas, não o fiz apenas por mim. O fiz pelo povo do Iraque, inclusive por aqueles que atiraram em mim: eles só estavam do outro lado de um campo de batalha onde a guerra mesma era o único inimigo. O fiz pelas crianças do Iraque, que são vítimas das minas terrestres e do urânio empobrecido. O fiz pelos milhares de civis desconhecidos que foram mortos na guerra. Meu tempo na prisão é um preço pequeno comparado com o que iraquianos e estadunidenses pagaram com suas vidas. Meu preço é pequeno comparado com o que a humanidade pagou pela guerra.

Muitos me chamaram de covarde, outros me chamaram de herói. Acredito que me encontro em algum ponto intermediário. Àqueles que me chamaram de herói, digo-lhes que não acredito em heróis, mas acredito que pessoas comuns podem fazer coisas extraordinárias.

Àqueles que me chamaram de covarde os digo que estão enganados, e que, sem sabê-lo, também têm razão. Enganam-se quando pensam que deixei a guerra por medo de ser morto. Admito que havia medo, mas também existia o medo de matar inocentes, de me colocar na posição de ter que matar para sobreviver, de perder minha alma no processo de salvar meu corpo, de me perder para minha filha, para aqueles que me amam, para o homem que já fui, o homem que queria ser. Tinha medo de acordar uma manhã e me dar conta de que minha humanidade havia me abandonado.

‘Fui covarde por formar parte desta guerra’

Digo sem nenhum orgulho que fiz meu trabalho como soldado. Comandei um batalhão de infantaria em combate e nunca falhamos em cumprir nossa missão. Mas aqueles que me chamaram de covarde, sem sabê-lo, também têm razão. Fui um covarde não por deixar a guerra, mas por ter formado parte dela, em primeiro lugar. Recusar e resistir a esta guerra era meu dever moral, um dever que me chamava a realizar uma ação de princípios. Eu falhei em cumprir meu dever moral como ser humano e ao invés disso escolhi cumprir meu dever como soldado. Tudo isso porque eu estava com medo. Estava aterrorizado, não queria levantar-me contra o governo e o exército, tinha medo do castigo e da humilhação. Fui à guerra porque no momento fui um covarde, e por isso peço perdão a meus soldados, por não ser o tipo de líder que deveria ter sido.

Também peço perdão ao povo iraquiano. A ele digo que lamento os toques de recolher, os ataques, as matanças. Que encontrem em seus corações a razão para me perdoar.

Uma das razões pelas quais não me opus à guerra, em primeiro lugar, foi porque tinha medo de perder minha liberdade. Hoje, sentado detrás das barras, me dou conta de que existem muitos tipos de liberdade, e que a despeito do meu confinamento eu permaneço livre, de muitas e importantes maneiras. De que serve a liberdade se temos medo de seguir nossa consciência? De que serve a liberdade se não somos capazes de conviver com nossas ações? Estou confinado a uma prisão, mas me sinto – mais do que nunca – conectado com toda a humanidade. Detrás das barras sou um homem livre, porque escutei um poder superior, a voz de minha consciência.

Enquanto estava confinado à prisão solitária, encontrei um poema de um homem que se opôs e resistiu ao governo da Alemanha nazista. Por fazê-lo, foi executado. Seu nome era Alfred Hanshofer, e escreveu este poema enquanto aguardava sua execução.

Culpa

O fardo da minha culpa perante a lei
pesa ligeiro sobre meus ombros; conjurar e
conspirar é meu dever para com o povo;
Teria sido um criminoso, caso assim não o fizesse.

Sou culpado, ainda que não da forma como pensas,
deveria ter cumprido mais cedo com meu dever, estava eu enganado,
deveria ter chamado mais claramente o mal pelo seu verdadeiro nome,
titubeei em condená-lo já por muito tempo.

Agora acuso a mim mesmo com meu coração:
traí minha consciência já por muito tempo
desiludi a mim mesmo e à humanidade.

Soube a trilha que seguiria o mal já desde o início
mas minha advertência não foi o suficiente alta nem clara!
Hoje, eu sei do que fui culpado...

Àqueles que ainda estão em silêncio, àqueles que continuam a trair suas consciências, àqueles que não estão mais chamando com clareza o mal por seu verdadeiro nome, àqueles de nós que ainda não estão fazendo o suficiente para se opor e resistir, digo-lhes: ‘dêem um passo à frente’; digo-lhes: ‘libertem suas mentes’. Libertemos coletivamente nossas mentes, enterneçamos nossos corações, confortemos os feridos, deponhamos as armas, e reafirmemo-nos como seres humanos, pondo um fim à guerra.”

Mais infomações em:

FreeCamilo.org: < http://www.freecamilo.org >

TruthOut.org: < http://www.truthout.org >

La Jornada, 27/fev./2005: < http://www.jornada.unam.mx/2005/feb05/050227/mas-marco.html >.

La Jornada, 16/mai./2005: < http://www.jornada.unam.mx/2004/may04/040516/mas-vinicio.html >.

  

Sebastião Rodrigues Maia, mais conhecido como Tim Maia, (Rio de Janeiro, 28 de setembro de 1942 — Niterói, 15 de março de 1998) foi um cantor brasileiro.

Começou a compor melodias ainda criança e já surpreendia a numerosa família de 19 irmãos. Se destacou pelo pioneirismo em trazer para a MPB o estilo soul de cantar. Com a voz grave e carregada, tornou-se um dos grandes nomes da música brasileira, conquistando grande vendagem e consagrando sucessos, lembrados até hoje, e que influenciaram o sobrinho, o cantor Ed Motta.

Gravou o primeiro disco, Tim Maia, em 1970, por indicação do grupo Mutantes. Neste disco, obteve sucesso com as faixas Primavera, Azul da cor do mar e Eu e você. Até Elis Regina, reconhecendo o talento de Tim, gravou um disco suas composições, em inglês.

Durante os anos 70, tornava-se cada vez mais famoso com canções como a dançante Não quero dinheiro (só quero amar), na era Disco. Teve altos e baixos durante a carreira, como enfrentando o descaso de amigos, após a prisão em Nova York, além de problemas financeiros e drogas.

Foi regravado por vários artistas, como Kid Abelha, Lulu Santos e Paralamas do Sucesso e recebeu até homenagens por parte de artistas do porte de Caetano Veloso e Jorge Ben Jor (W/Brasil).

Fase racional

Na década de 70 entrou em contato com a ideologia Cultura Racional, liderada por Manuel Jacinto Coelho, um "guru" da ufologia, quando lançou, (1975), os álbuns Tim Maia Racional, volumes 1 e 2 pelo selo Seroma (abreviação do próprio nome Sebastião Rodrigues Maia).

São considerados até hoje como os melhores de Tim Maia, com grandes influências de funk e soul e pelo fato de que nesta época, Tim Maia manter-se afastado dos vícios, o que se refletiu na qualidade da voz.

Desiludido com a ideologia, percebeu que o “mestre espiritual” Manuel não correspondeu ao ideal de um mestre. O cantor, revoltado, tirou de circulação os álbuns, tendo virado item de colecionadores, devido à raridade. Deste disco existem várias pérolas, uma das quais é Imunização Racional.

Anos 80

Lançou em 1983 o LP O Descobridor dos Sete Mares, com destaque para a canção-titulo O Descobridor dos Sete Mares (Michel e Gilson Mendonça) e para Música "Me dê Motivo" (Michael Sullivan/Paulo Massadas) um dos seus maiores Sucessos. Outro disco importante da década de 1980 foi Tim Maia (1986), que trazia o hit Do Leme ao Pontal. Artista com histórico de problemas com as gravadoras, na década de 1970 fundou seu próprio selo, primeiramente Seroma e depois Vitória Regia. Por ele, lançou em 1990 Tim Maia interpreta clássicos da bossa nova, e mais tarde Voltou a clarear e Nova era glacial.

Anos 90

Em 1993, dois acontecimentos reimpulsionaram a carreira: a citação feita por Jorge Ben Jor na canção W/Brasil e uma regravação que fez de Como uma onda (Lulu Santos e Nelson Motta) para um comercial de televisão, de grande sucesso e incluída no CD Tim Maia, do mesmo ano. Assim, aumentou muito a produtividade nesta década, gravando mais de um disco por ano com grande versatilidade: o repertório passou a abranger bossa nova, canções românticas,'funks e souls. Também teve muitas composições regravadas por artistas da nova geração, como Paralamas do Sucesso, Marisa Monte e Skank.

Em 1996 lançou dois CDs ao mesmo tempo: Amigo do rei, juntamente com Os Cariocas, e What a Wonderful World, com recriações de standards do soul e do pop norte-americanos dos anos de 1950 a 1970. Em 1997 lançou mais três CDs, perfazendo 32 discos em 28 anos de carreira.

Vida pessoal

Teve graves problemas com vícios. Chegava a beber três garrafas de uísque por dia, além do uso de maconha e cocaína. Colecionou desafetos e processos trabalhistas -- de músicos contra ele e dele contra gravadoras --, além de renegar publicamente antigas amizades, ameaçar críticos e faltar a espetáculos. Passou anos sem se apresentar na Rede Globo e acusava o executivo da emissora, José Bonifácio de Oliveira Sobrinho, o Boni, de ser o culpado pelo boicote. Outro conhecido inimigo ele denominava ETA, “Exploradores do Talento Alheio”, formado por empresários e donos de casas de espetáculos.

Viveu nos Estados Unidos entre 1959 e 1964, até ser preso por posse de drogas, sendo em seguida deportado.

Durante a gravação de um espetáculo para a TV sentiu-se mal, vindo a falecer em 15 de Março de 1998 em Niterói, após internação hospitalar devido a uma infecção generalizada.

Discografia

• Tim Maia ao Vivo II - 1998 - CD
• What a wonderful world - 1997 - CD
• Só você pra ouvir e dançar - 1997 - CD
• Sorriso de criança - 1997 - CD
• Pro meu grande amor - 1997 - CD
• Amigos do rei - Tim Maia e os Cariocas - 1997 - CD
• Os Hinos dos Grandes Clubes Brasileiros Cantados por Feras do Rock e da MPB - Participação, canta o Hino do América - 1996 - CD
• Nova era glacial - 1995 - CD
• Vou clarear - 1994 - CD
• Tim Maia Romantico - 1993 - CD
• Tim Maia ao vivo - 1992 - CD
• Tim Maria interpreta clássicos da bossa nova - 1990 - CD e vinil
• Dance bem - 1990 - CD
• Carinhos - 1988 - CD e vinil
• Somos América - 1987 - CD e vinil
• Tim Maia - 1986 - CD e vinil
• Tim Maia - 1985 - CD e vinil
• Sufocante - 1984 - CD e vinil
• Descobridor dos sete mares - 1983 - CD e vinil
• Nuvens - 1982 - CD e vinil
• Tim Maia - 1980 - CD e vinil
• Reencontro 1979 - vinil
• Tim Maia disco club / Sossego - 1978 - vinil
• Tim Maia - 1978 - CD e vinil
• Tim Maia - 1977 - vinil
• Tim Maia Racional Vol 2 - 1976 - vinil
• Tim Maia - 1976 - CD e vinil
• Tim Maia Racional - 1975 - vinil
• Tim Maia - 1973 - CD e vinil
• Tim Maia - 1972 - CD e vinil
• O Colecionador - 1971 - CD e vinil
• Tim Maia - 1970 - CD e vinil

Ligações externas

• Letras de Tim Maia
• ABC do Tim Maia Racional. Uma introdução a quem quer se iniciar num dos mais cultuados e obscuros discos da black music nacional
• Michael Sullivan - Site Oficial  

Tim maia - nao quero dinheiro

   

Nirvana foi uma banda de Grunge fundada no ano de 1987 em Aberdeen, Washington. Sua música foi inspirada no Punk Rock, no Rock Alternativo, no Hard Rock e foi chamada Grunge pela imprensa e meios de comunicação da época. O grupo se desfez em 1994 com a morte de seu líder, Kurt Cobain. Muitos críticos e historiadores aclamam o Nirvana como a banda mais representativa da década de 90, sendo também considerada representante da Geração X.

O Nirvana vendeu mais de 50 milhões de álbuns no mundo todo.

Membros

Formação principal

• Kurt Cobain - vocal e guitarra
• Krist Novoselic - baixo
• Dave Grohl - Bateria e backing vocals

Outros

• Aaron Burckhard - bateria (1987)
• Dale Crover - bateria (1987-1988, 1990)
• Jason Everman - guitarra (1989)
• Chad Channing - bateria (1988-1990)
• Dan Peters - bateria (1990)
• Pat Smear - guitarra (1993-1994)
• Greg Hokanson - Bateria
• Mike Dillard - Bateria
• Buzz Osborne - Baixo
• Dave Foster - Bateria

História

O Começo "Bleach"

Com o lançamento de Bleach, o Nirvana realiza sua primeira turnê pelos Estados Unidos - toca em cidades como Chicago, Filadélfia, Cincinnati, Nova York, e faz o último show da excursão em Denver, em 11 de outubro. Durante a turnê, em agosto, o Nirvana grava duas novas canções para seu EP Blew no Music Source Studios, em Seattle, com o produtor Steve Fisk. Naquela época, Jason Everman foi dispensado da banda.

De outubro a dezembro, o grupo voa em direção à Europa e faz a primeira turnê européia, junto com a banda Tad, também da Sub Pop. O interesse do continente pelo som de Seattle foi tanto, que antes mesmo do Nirvana lançar seu primeiro álbum, a Sub Pop lançava a coletânea Sub Pop 200, em dezembro de 1988, que contava com gravações das principais bandas do selo independente. O Nirvana contribuiu com a faixa "Spank Thru". Sub Pop 200 lançou o rótulo grunge e atraiu a atenção da imprensa musical britânica, que tratou de espalhar para o resto do mundo que uma cidade chuvosa dos Estados Unidos era a nova salvação do rock. Naquela turnê, o Nirvana tocou em lugares importantes como Alemanha, Holanda, Áustria, Suíça, Reino Unido, França e Itália. Ainda em dezembro, finalmente o EP Blew sai no Reino Unido pela gravadora Tupelo. Ao regressar para os EUA, Krist Novoselic se casa no dia 30 com Shelli, sua namorada desde março de 1985.

1990 chega e muita coisa foi feita naquele ano. Nos dias 02 e 03 de janeiro, o Nirvana entra nos Reciprocal Studios com Jack Endino para gravar e mixar apenas uma música: "Sappy". A gravação nunca foi lançada oficialmente - ela só seria refeita em 1993 e lançada como faixa secreta na coletânea de vários artistas No Alternative, sob o título mais conhecido de "Verse chorus verse".

De 02 a 06 de abril de 1990, o Nirvana grava com o produtor Butch Vig nos Smart Studios em Madison, Wisconsin. Pelos planos, seria o começo do segundo álbum da banda para a Sub Pop. Quem indicou Vig e seu estúdio foi um dos donos da Sub Pop, Jonathan Poneman. Ainda em abril, Kurt e Tracy terminam o namoro. De maio a novembro, Kurt namora Tobi Vail, da banda Bikini Kill, após um ano de amizade. Ainda em maio, Chad Channing é dispensado da banda. Insatisfação e falta de empolgação por parte do baterista se juntaram à falta de pegada que os outros dois vinham sentindo.

Em 11 de julho, com a ajuda de Dan Peters, baterista do Mudhoney, o Nirvana grava "Sliver" em um intervalo da banda Tad, nos Reciprocal Studios. Em menos de uma hora, o Nirvana liga seus instrumentos nos amplificadores do Tad, passa a música duas vezes, desliga tudo e libera o estúdio, antes da volta da outra banda. Cobain gravaria os vocais no dia 24 de julho.

De julho a setembro, Kurt e Novoselic estavam tão insatisfeitos com a falta de atenção e os métodos bagunçados da Sub Pop que enviam a fita demo feita em abril para várias gravadoras grandes - várias demonstram interesse, e a banda passa a estudar propostas.

Em setembro, o baterista David Eric Grohl fica sem banda com o fim do Scream, um grupo de hardcore punk baseado em Washington D.C., a capital dos EUA, do qual fazia parte. Como Cobain e Novoselic já tinham arregalado os olhos com Grohl em um show do Scream e conversado com ele, nada mais adequado que ele fizesse um "teste" para a vaga aberta. Grohl passa com louvor - com tanto louvor, que Cobain comenta com Novoselic que haviam acabado de encontrar "o melhor baterista do mundo".

Um novo compacto - "Sliver / Dive" é lançado em setembro pela Sub Pop. Em 11 de outubro, dave Grohl realiza seu primeiro show com o Nirvana, no Noth Shore Surf Club, em Olympia, Washington.

Naquele ano e até aquele show, o Nirvana havia realizado cerca de trinta concertos pelos EUA. O dia 20 marca o retorno da banda à Europa para a realização de mais cinco shows, todos no Reino Unido. Chegando à Londres, o Nirvana faz nova seção para o programa do famoso radialista John Peel. O último show realizado no Reino Unido foi dia 27 de outubro. Em novembro, o Nirvana já estava de volta à Seattle e assina contrato para ser empresariado pela firma Gold Mountain, que também administra a carreira do Sonic Youth e de outros astros mais pop e comerciais.

A era "Nevermind"

1991 chega para entrar definitivamente na história da música como início de uma nova era do rock and roll. Em janeiro, Kurt faz os primeiros esboços de sua canção mais famosa, "Smells Like Teen Spirit", que é tocada pela primeira vez em 17 de abril em um show no OK Hotel, em Seattle.

Em 30 de abril, após meses de negociação, o Nirvana por fim assina contrato com o selo DGC, da gravadora Geffen, e recebe um adiantamento de 290 mil dólares. A Sub Pop leva uma "indenização" de 75 mil e garante para si uma pequena porcentagem sobre as vendas dos dois primeiros álbuns do Nirvana pela Geffen.

Entre maio e junho, o Nirvana grava o segundo álbum de sua carreira (e o primeiro por uma gravadora grande), Nevermind. As sessões são nos Sound City Studios, em Van Nuys, Califórnia. O produtor é Butch Vig, baterista da banda Garbage, e o mesmo produtor das gravações feitas em abril de 1990, que seriam para a Sub Pop. A mixagem final do disco fica com Andy Wallace. Apenas a faixa "Polly" não foi gravada nos Sound City Studios - foi gravada naquele abril de 1990 no Smart Studios, em Wisconsin.

Entre agosto e setembro, o Nirvana viaja novamente para a Europa para a realização de uma nova turnê européia abrindo para o Sonic Youth, e participa até do Reading Festival. Em 3 de setembro, mais uma sessão é gravada no programa do radialista John Peel. No dia 10 do mesmo mês, o single de "Smells Like Teen Spirit" é lançado. E finalmente no dia 24, sai Nevermind, com primeira prensagem de 50 mil cópias.

Em 12 de outubro, Kurt Cobain e Courtney Love iniciam uma relação amorosa, após um show do Nirvana em Chicago. Ainda em outubro, depois de um mês de lançamento, Nevermind chega a 500 mil cópias vendidas (um número que a Geffen previa atingir, com muita sorte, em um ano ou até mais) e alcançara a marca de disco de ouro (de acordo com os padrões da indústria musical dos Estados Unidos). Notando um aumento de pedidos, a emissora musical MTV coloca o clipe de "Smells Like Teen Spirit" no esquema de várias exibições a cada dia.

Em novembro, após cinco meses subindo, Nevermind se coloca entre os dez primeiros na parada de álbuns da revista Billboard. Em 16 de novembro, é o nono. Na semana seguinte, pula para quarto lugar. Em dois meses nas lojas, o álbum chega a 1,2 milhões de cópias vendidas. De novembro a dezembro, mais uma turnê européia é realizada.

Em 11 de janeiro de 1992, depois do impulso das vendas de Natal, Nevermind conseguiu tirar Dangerous, do Michael Jackson, do topo das paradas. Após pouco mais de três meses, o álbum vendeu dois milhões de cópias (o equivalente a dois discos de platina). No mesmo dia em que tem a confimação de que chegou ao topo da parada, o Nirvana se apresenta ao vivo no mais famoso programa humorístico da TV norte-americana, o Saturday Night Live.

Na primeira quinzena de janeiro, Courtney Love descobre que está grávida. No dia 24 de fevereiro, Kurt e Courtney se casam em Waikiki, no Havaí, em uma cerimônia particular com pouquíssimos convidados. Dave Grohl comparece. Quem não aparece é Novoselic, estremecido com o novo casal por causa de seu exagero no uso de heroína nos meses anteriores.

Em março, Kurt exige renegociação da divisão de direitos autorais, alegando que compõe quase tudo de cada música. Com Novoselic e Grohl bastante contrariados e ressentidos, a banda fica bem perto de acabar. Mas o novo acordo acaba saindo. O que era dividido em três partes iguais passa a ser fracionado em 90% para Cobain e os 10% restantes para os outros dois.

Na primeira quinzena de agosto, Kurt Cobain se interna no hospital Cedars-Sinai de Los Angeles, para tratamento de desintoxicação, numa tentativa de se livrar do vício em heroína. Chega às bancas a revista Vanity Fair com reportagem de capa sobre Courtney Love, de autoria de Lynn Hirschberg. Baseada em fontes cujo anonimato foi preservado, a matéia aponta que Courtney consumiu heroína mesmo já sabendo que estava grávida. Isso acarretaria para o casal Cobain problemas com a Justiça sobre a guarda de seu bebê.

Em 18 de agosto, nasce Frances Bean Cobain, uma bebê linda e saudável. Love dá à luz no mesmo hospital em que Kurt estava internado desde o começo do mês para se desintoxicar. Kurt tenta acompanhar o parto mas desmaia de fraqueza.

Atordoado, Kurt entra no quarto de Courtney Love com um revólver e sugere suicídio duplo, agrumentadndo que a filha viveria melhor assim. Courtney chega a segurar a arma, mas desiste do pacto e convence Kurt a seguir vivendo. Esse acontecimento foi relatado por Courtney Love em entrevista à revista Rolling Stone, em 1994. No final de agosto, por determinação da Justiça de Los Angeles, Kurt e Courtney perdem temporariamente a guarda de Frances. O bebê fica sob os cuidados de Jamie, irmã de Courtney. Por um mês, o casal tem permissão para visitar a filha diariamente mas não pode ficar a sós com ela nem levá-la para casa. Kurt e Courtney são obrigados a fazer testes de urina para detectar eventuais consumos de drogas. Se limpos durante um período, poderiam voltar a ter a guarda da criança. [1] Kurt, e Frances antes da entrega dos MTV Awards, em 09 de setembro de 1992

Em 09 de setembro, o Nirvana se apresenta ao vivo na cerimônia de entrega dos MTV Awards em Los Angeles. Nos ensaios, a emissora proíbe a banda de tocar uma música nova, "Rape Me", por conter a palavra "estupro". Já no palco, Kurt chega a tocar os primeiros acordes dela. Antes que a transmissão seja cortada, ele muda para "Lithium".

Em 11 de setembro, sem ver o pai pessoalmente desde meados da década de 80, Kurt se encontra com Don Cobain nos camarins de um show do Nirvana, no Coliseum de Seattle. Uma reunião fria e tensa. Kurt diz ao pai que não o odeia mais, e coloca isso na música "Serve the Servants", gravada no ano seguinte. Eles nunca mais se veriam.

Nos dias 24 e 25 de outubro, no estúdio Word of Mouth (novo nome dos Reciprocal Studios), em Seattle, o Nirvana grava com o produtor Jack Endino as bases de músicas para o próximo álbum. Em de 30 outubro, o Nirvana visita a América do Sul pela primeira vez e faz um show na Argentina, no estádio do Vélez Sarsfield, em Buenos Aires. A platéia de 50 mil pessoas, anciosa por ver o Nirvana em ação, vaia o show de abertura da banda americana de mulheres Calamity Jane, convidada por Cobain para a viagem. A ofensa desperta um espírito de pirraça em Kurt. Em sua apresentação tocam várias músicas desconhecidas e deixa "Smells Like Teen Spirit" de fora. Esse show foi classificado por Novoselic como o "eterno ensaio", mas mesmo assim a platéia presente adorou.

"Incesticide"

Em 15 de dezembro, é lançado o disco Incesticide pela DGC/Geffen, para encobrir a ausência de um álbum com músicas inéditas em 1992. O disco é uma coletânea de faixas lançadas em compacto ou registradas em fitas demo, desde os tempos da Sub Pop. Alcançou boas vendas e o anúncio do disco para a imprensa foi escrito pelo próprio Kurt.

1993, tempo de "In Utero"

Janeiro de 1993 chega e o Nirvana visita o Brasil para passar um dos períodos mais turbulentos e divertidos de sua história, se é que se pode assim dizer. O Nirvana faz dois shows no festival Hollywood Rock, o primeiro em São Paulo, no estádio do Morumbi no dia 16. Depois de uma apresentação totalmente inusitada para um público de mais de 100 mil pessoas, o maior da história da banda, Kurt Cobain e Courtney Love decidem curtir as loucuras da noite de São Paulo juntamente com o cantor punk João Gordo e outros amigos. Gordo havia conhecido Dave Grohl anteriormente em um festival de música na Holanda e essa foi a chave para o cantor se enturmar com toda a banda. No dia 22, o Nirvana já estava no Rio de Janeiro e ensaia e grava algumas demos nos estúdios da BMG. O improviso "Gallons of Rubbing Alcohol Flow Through the Strip" acabaria lançado como faixa-bônus nas versões não-americanas do álbum In Utero.

Dia 23 foi o dia do show na Praça da Apoteose do Sambódromo do Rio. Com um set-list imenso, Kurt e cia. até que começaram bem o show com Sliver, Drain You e Breed na seqùência, mas na metade da apresentação Kurt surtou e durante a até então inédita Scentless Aprentice desceu do palco, cuspiu nas câmeras da Rede Globo que transmitia o evento e simulou masturbação diante delas. No fim do show, Cobain, visivelmente chapado, saiu do palco engatinhando. Bandas como Alice in Chains, L7 e Red Hot Chili Peppers também tocaram no Hollywood Rock. Courtney Love lembra que a última vez que viu Kurt sorrindo de verdade, foi enquanto estiveram no Brasil. O casal pulou de asa-delta, descobriu as bizarrices do centro de São Paulo, Kurt deu entrevistas para fanzines e pôde trocar de instrumentos durante o show na capital paulista (show que até hoje não é circulado na íntegra, e por isso é um dos mais procurados pelos fãs da banda), além do tradicional quebra-quebra de instrumentos promovido pelo vocalista, em um show completamente fora dos padrões. Apesar dessa informação de Courtney, Cobain sofria muito com a abstinência da heroína, pois no Brasil a droga não era facilmente encontrada.

De volta aos Estados Unidos, entre os dias 14 e 24 de fevereiro sessões do álbum In Utero foram gravadas nos Pachyderm Studios, montados pelo produtor e músico Steve Albini em uma casa em Cannon Falls, um lugarejo de cerca de 3000 habitantes ao norte de Minneapolis, Minnesota. Em 23 de março, Kurt e Courtney finalmente vencem na Justiça, que lhes restabelece a guarda da filha e libera o casal da obrigação de fazer testes de doping. De abril a maio, a partir de reportagens do jornal Chicago Tribune e da revista Newsweek, cria-se a polêminca de que a gravadora Geffen achou péssimo e pouco comercial o material de In Utero, gravado em fevereiro com Albini. O próprio Albini faz afirmações de que a gravadora pressiona a banda a refazer as músicas ou, pelo menos, deixá-las mais "apresentáveis" ou profissionais. O Nirvana solta um comunicado garantido que não sobre interferência artística da Geffen. Mesmo assim, "Heart-Shaped Box" e "All Apologies" são remixadas por Scott Litt, produtor que trabalhou com o R.E.M.

Entre maio e julho, Kurt e Courtney enfrentam alguns problemas de ordem pessoal. Em 02 de maio Kurt sofre de uma overdose de heroína em sua casa em Seattle. Uma medicação de emergência aplicada por Courtney impede sua morte. Em 04 de junho, Kurt é detido por três horas pela polícia de Seattle após uma briga caseira com a esposa. O pivô da discussão: as armas que Cobain tinha em casa. O quebra-pau alerta a vizinhança, que chama a polícia. Kurt é acusado de agressão física a Courtney. Em 23 de julho, Kurt sofre outra overdose, desta vez em um hotel em Nova York. Novamente os primeiros socorros de Courtney salvam a sua vida.

Finalmente, em setembro, o álbum In Utero é lançado. No dia 14 o vinil estava nas lojas. A versão em CD só chegaria no dia 21. As cadeias de supermercados Wal-Mart e Kmart ameaçam não vender o disco por causa da música "Rape-Me" (Estupre-me) e pelos fetos que aparecem na ilusração da contracapa. A banda e a Geffen providenciam uma versão mais "suavizada". Kurt concorda, e diz que faria as alterações sem maiores crises - "Quando criança, um dos poucos lugares que eu podia freqüentar era o Wal-Mart. Acredito que ainda hoje existem crianças que crescem assim. Quero que elas possam comprar meu disco", argumenta Cobain.

Com toda a expectativa dos fãs por um material novo do Nirvana, In Utero entra direto em primeiro lugar na parada de álbuns da Billboard. Alcança um milhão de cópias vendidas em dois meses nas lojas.

Em 25 de setembro, Pat Smear (nascido em 1959, Pat foi ex-membro da banda de hardcore Germs durante o final da década de 70) estréia oficialmente como segundo guitarrista do Nirvana na apresentação ao vivo no programa de TV Saturday Night Live. Kurt e Courtney haviam desenvolvido grande amizade por Pat. Contudo, o principal motivo de Smear ter sido escalado como segundo guitarrista, foi devido a uma decisão do próprio Kurt, que àquela altura estava bastante focado em aprimorar seus vocais e se livrar um pouco do peso (nos dois sentidos) da guitarra em performances ao vivo.

Desplugando os cabos

Em meados de 1993, O Nirvana é convidado pela MTV para a realização de uma de suas principais apresentações, o famoso Unplugged. Alex Coletti, o idealizador do programa, realiza o convite, que é aceito pela banda sem fazer muito charme nem dificultar as negociações. O programa Unplugged surgiu em 1989 com uma idéia simples: artistas que usam instrumentos elétricos tocando músicas com instrumentos acústicos, principalmente o violão. Com sua tempestuosa relação com a fama e o sucesso em grandes proporções, Kurt determinou um limite: nada de "grandes sucessos do Nirvana" no repertório. Nem mesmo usar a oportunidade para promover o recém-lançado In Utero. Cobain também fez questão de incluir covers que a banda nunca gravara antes. E não convidou nenhum astro, e sim membros da banda anônima Meat Puppets, ao contrário do que se especulava na época - muitos acreditavam que Eddie Vedder, líder do Pearl Jam, dividiria o palco com Kurt. Para a decoração do ambiente, Kurt quis algo simples e aconchegante. Pediu flores e velas. Coletti perguntou, meio brincando: "Como um velório?" - Kurt respondeu que sim.

Gostar, a MTV não gostou. Mas engoliu as "excentricidades de Kurt". Na noite de 18 de novembro de 1993, depois de muito ensaiar, o Nirvana entrou no palco montado nos estúdios da Sony, em Nova York, para gravar o MTV Unplugged in New York. Pat Smear, estava como segundo guitarrista, e os irmãos Curt e Chris Kirkwood, dos Meat Puppets, subiram ao palco e tocaram três músicas para Kurt cantar.

O Unplugged foi um sucesso. Exibido até a exaustão pela emissora, a apresentação se tornou um clássico eternizado no mundo do rock.

Após morte de Cobain

Após a morte do lider do Nirvana uma batalha entre os ex-integrantes (Krist e Dave) com a então viuva Courtney, marcaria um dos fatos mais dolorosos para os fãs, pois tal batalha judicial o material inédito ficou emperrado. A primeira vitória de Krist e Dave ocorreu quando em 2001 chegou as lojas o álbum intitulado simplesmente "Nirvana", que trazia a inédita "You Know You're Right", além de sucessos já consagrados dos grunges. Um fato marcante foi que nesse mesmo dia em 92, Kurt Insultou o dono da gravadora Geffen, pois ele não permitiu que Kurt cantasse "Working Class Hero" de John Lennon. O dono da gravadora nada fez e deixou o fato passar, porque não queria perder o contrato com o Nirvana, que estava no topo de sua carreira.

Feito isso, os fãs teriam de esperar mais três anos para o lançamento das musicas inéditas que restavam. A espera, entretanto, valeu a pena. O box "With the Lights Out" é composto por três CD's e um DVD, ambos com momentos lado B do Nirvana, porém os fãs brasileiros não tiveram sorte e este box não foi lançado por aqui, e aqueles que não puderam importar tiveram que se conformar com o CD lançado um ano depois. "Sliver: The Best of the Box" que trazia um resumo do box além de três faixas novas, todas versões alternativas de canções consagradas. Hoje Kurt Cobain é a celebridade morta que mais fatura no mundo (em milhões de dólares) superando ninguem menos que Elvis Presley.

Discografia

• Bleach (1989)
• Nevermind (1991)
• In Utero (1993)
• MTV Unplugged in New York (1994)
• From the Muddy Banks of the Wishkah (1996)

Coletâneas

• Incesticide (1992)
• Singles (1996)
• Nirvana (2002)
• With The Lights Out (2004)
• Sliver - The Best of The Box (2005)

EP´s & Singles

• Love Buzz/Big Cheese (EP-1988)
• Sliver/Dive (single-1990)
• Here She Comes Now (single-1990)
• Smells Like Teen Spirit (single-1991)
• Hormoaning (EP-1992)
• Come as You Are (single-1992)
• Lithium (single-1992)
• Im Bloom (single-1992)
• Oh, The Guilt!/Puss (single-1993)
• Heart Shaped-Box (single-1993)
• All Apologies/Rape Me (single-1993)
• Pennyroyal Tea (single-1994)

Secretos:

• Outcesticide I: In Memory of Kurt Cobain (1994)
• Outcesticide II: The Needle & the Damage Done (1995)
• Outcesticide III: The Final Solution (1995)
• Outcesticide IV: Rape of the Vaults (1996)
• Outcesticide V: Disintegration (1998)

Os Cd's secretos (Outcesticides de 1 a 5) foram feitos com músicas que não foram aceitas pelas gravadoras, músicas que ficaram de fora de álbuns, lados "B" e com outras versões de músicas normais, além de faixas ao vivo, incluido covers como "Baba O´Riley" do The Who, "The End", do The Doors, "The Money Will Roll Right In" do Fang, entre outras curiosidades.

 Ligações externas

• Nirvana Information
• Important documents
• Curiosidades
• Nirvana
• Análise dos álbuns
• Nirva.net - De fã para fã! Atualizado.

Nirvana - Rape Me live

 

Vídeo

Hendrix at Woodstock

  

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Ligações externas

• Homepage oficial
• Site oficial do Iron Maiden no Brasil

Iron Maiden Wasted Years

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Raul Seixas
Nome completo:	Raul Santos Seixas
Origem(ns):	Salvador, Bahia
País de nascimento:	Brasil
Data de nascimento:	28 de junho de 1945
Data de morte:	21 de agosto de 1989
Apelido:	Raulzito
Período em atividade:	1968 - 1989
Instrumento(s):	vocal, guitarra
Gênero(s):	rock and roll
Gravadora(s):	EMI Discos CBS Philips/Phonogram Som Livre Warner Musics
Website:	www.raulseixas.com.br

Ir para: Biografias

Filho do casal Raul Varella Seixas e Maria Eugênia Seixas, Raul cresceu numa Salvador um tanto estagnada, alheia aos progressos de uma modernidade que passava ao largo da capital baiana.

Em casa obtém uma cultura que o faz adiantar-se àquilo que era ensinado nas escolas, mergulhando nos livros que tinha em casa, na biblioteca do pai. Até o final de sua vida, sempre foi avançado para sua época, o que é comprovado pelas músicas por ele compostas e que até hoje são executadas. Como seu parceiro musical Paulo Coelho já disse: "Raul Seixas não é passado, é presente! Futuro!".

Primordios

Seu gosto musical foi se moldando: primeiro, no rádio, acompanha o sucesso de Luiz Gonzaga, e nas viagens onde acompanha o pai (inspetor de ferrovia), ouve os matutos desfiarem repentes - e esta "raiz" nordestina nunca o abandonara.

Num segundo momento, nas telas dos cinemas, encanta-se com o talento de Elvis Presley, de quem torna-se fã - e aponta-lhe o rumo musical: o Rock'n Roll. Sempre gostou também de clássicos do rock dos anos 50 e 60.

Junto a alguns amigos de Salvador, monta um conjunto, "Os Relâmpagos do Rock", mais tarde "The Panters", e por último conhecido como "Raulzito e os Panteras". Fazem shows no estado, e a convite do amigo Jerry Adriani, vai para o Rio de Janeiro, gravar um disco pela gravadora Odeon, em 1967 - que foi um total fracasso.

Após algum tempo, volta ao Rio, em 1970- 71, desta feita contratado por outra gravadora - a CBS (atual Sony BMG). Ali participa da produção de diversos artistas da Jovem Guarda, como Jerry Adriani, Leno e Lilian, entre outros.

Mas Raul acaba se rebelando. Aproveitando a ausência do presidente da empresa, grava seu segundo LP (intitulado Sociedade da Grã-Ordem Kavernista Apresenta Sessão das 10), onde faz parceria com Sérgio Sampaio, à época um promissor sambista. O disco foi logo retirado do mercado - Isso lhe valeu a expulsão da CBS quando o presidente voltou. O disco então sumiu, "misteriosamente", do mercado.

Em 1972 participa do VII FIC (Festival Internacional da Canção), promovido pela Rede Globo, e tem duas músicas classificadas, o que lhe deu projeção nacional.

 Sucesso e dor

No ano de 1973, já contratado da Philips (atual Universal Music), grava o LP (Krig-Ha, Bandolo!) com o qual Raul alcançou finalmente o sucesso, estabelecendo a parceria com o hoje escritor Paulo Coelho.

No ano de 1974, por divulgar a Sociedade Alternativa nas suas apresentações, acabou sendo preso e torturado pelo DOPS, exilando-se nos Estados Unidos. No entanto, o sucesso do seu LP Gîtâ e da música Gita, que lhe rendeu um disco de ouro, após vender 600.000 cópias, fazem-no retornar ao Brasil. Neste ano separa-se de sua primeira mulher, Edith Wisner, com quem teve uma filha.

Em 1975, casa-se com Gloria Vaquer, e grava o LP "Novo Aeon".

Em 1976, grava o disco "Há Dez Mil Anos Atrás", e tem sua segunda filha, Scarlet.

Lançou mais outros três discos pela WEA (hoje Warner Music Brasil), a partir de 1977, que fizeram sucesso de público e desgosto na crítica. Por volta deste período, intensifica-se a parceria com o amigo Cláudio Roberto, com quem Raul comporia várias de suas canções mais conhecidas, como "Maluco Beleza", "O dia em que a terra parou", "Rock das Aranha", "Aluga-se" etc.

A partir do ano de 1978, começa a ter problemas de saúde devido ao consumo de álcool. Neste ano, conhece Tania Menna Barreto, com quem se casa, após abandonar a segunda esposa.

No ano de 1979, separa-se de Tania e conhece Angela Affonso Costa, a Kika Seixas, com quem se casa algum tempo depois.

Ocaso

No ano de 1980, assinando novamente contrato com a CBS, lançou apenas mais um álbum (Abre-te Sésamo) e rescindiu o contrato.

Em 1981, nasce a terceira filha, Vivian, fruto de seu casamento com Kika.

Seus dois discos seguintes ("Raul Seixas" - 1983 e "Metrô linha 743" - 1984) e o livro As Aventuras de Raul Seixas na Cidade de Thor fizeram sucesso, mas depois Raul teve as portas fechadas novamente, devido ao seu consumo excessivo de álcool e constantes internações para desintoxicação.

Em 1985, separa-se de Kika Seixas. Faz um show, em 1 de dezembro deste ano, no Estádio Lauro Gomes, na cidade de São Caetano do Sul. Só voltaria a pisar no palco no ano de 1988, ao lado de Marcelo Nova.

Conseguindo um contrato com a gravadora Copacabana, em 1986 (de propriedade da EMI), grava um disco que foi grande sucesso entre os fãs, (UAH-BAP-LU-BAP-LA-BEIN-BUM - 1987) estando presente até em programas de televisão, como o Fantástico. Nesta época, conhece Lena Coutinho, que se torna sua companheira. A partir desse ano, estreita relações com Marcelo Nova (fazendo uma participação no LP "Duplo Sentido", da banda Camisa de Vênus).

Um ano mais tarde, 1988, já sozinho, faz seu último álbum solo (A Pedra do Gênesis). A convite de Nova, faz alguns shows em Salvador, após três anos sem pisar num palco.

No ano de 1989, faz uma turnê com Marcelo Nova, agora parceiro musical, totalizando mais de 50 apresentações pelo Brasil.

"Canto do cisne"

O último disco lançado em vida foi feito em parceria com Marcelo Nova, intitulado "A Panela do Diabo", que foi lançado pela Warner Music Brasil dois dias antes da sua morte. Raul Seixas faleceu dia 21 de agosto de 1989, aos 44 anos. Seu corpo foi encontrado às oito horas da manhã, pela sua empregada, Dalva. Foi vítima de parada cardíaca: seu alcoolismo, agravado pelo fato de ser diabético, e por não ter tomado insulina na noite anterior, causaram-lhe uma pancreatite fatal. O LP " A Panela do Diabo" vendeu mais 100.000 cópias, rendendo ao Raul um disco de ouro póstumo, entregue à sua família e também a Marcelo Nova (parceiro de Raul, com quem gravou o LP), tornando-se assim um dos discos de maior sucesso do eterno Maluco Beleza.

Principais sucessos

Muitos dos fãs de Raul Seixas consideram uma das marcas mais fortes nas suas músicas a sua capacidade de, através de um estilo jovial e descontraído, transmitir mensagens ou fazer questionamentos sobre temas como o amor, a vida, e a existência em si.

Das canções que Raulzito deixou, muitas foram aquelas que permaneceram eternizadas pelo gosto do público. Entre elas, Maluco Beleza, Metamorfose Ambulante, Sociedade Alternativa, Gîtâ, Eu nasci há 10 mil anos atrás e Medo da Chuva. Entre os fãs, costumam aparecer também outras músicas, entre elas, Ouro de Tolo, S.O.S., Mosca na Sopa, Tente Outra Vez, Eu Sou Egoísta, Para Nóia, Água viva, e Cachorro-Urubu.

Discografia

• ·  1968 - Raulzito e os Panteras
• ·  1971 - Sociedade da Grã-Ordem Kavernista Apresenta Sessão das 10 (com Sérgio Sampaio, Míriam Batucada e Edy Star)
• ·  1973 - Os 24 Maiores Sucessos da Era do Rock
• ·  1973 - Krig-Ha, Bandolo!
• ·  1974 - O Rebu (Trilha sonora original - Raul Seixas & Paulo Coelho)
• ·   1974 - Gita
• ·  1975 - 20 Anos de Rock (Reedição de Os 24 Maiores Sucessos da Era do Rock)
• ·  1975 - Novo Aeon
• ·  1976 - Há Dez Mil Anos Atrás
• ·  1977 - Raul Rock Seixas
• ·  1977 - O Dia Em Que a Terra Parou
• ·   1978 - Mata Virgem
• ·  1979 - Por Quem Os Sinos Dobram
• ·  1980 - Abre-Te Sésamo
• ·  1983 - Raul Seixas
• ·  1984 - Metrô Linha 743
• ·  1985 - Let Me Sing My Rock And Roll (Coletânea lançada somente em LP)
• ·  1986 - Raul Rock Volume 2
• ·  1987 - Uah-Bap-Lu-Bap-Lah-Béin-Bum!
• ·  1988 - A Pedra do Gênesis
• ·  1989 - A Panela do Diabo (com Marcelo Nova)

 Álbuns póstumos

• 1992 - O Baú do Raul (Raridades)
• 1998 - Documento
• 2003 - Anarkilópolis
• 2005 - Raul Seixas - Série BIS Duplo

Álbuns ao vivo

• 1984 - Ao Vivo - Único e Exclusivo
• 1991 - Eu, Raul Seixas (Show na Praia do Gonzaga, Santos, 1982)
• 1993 - Raul Vivo (Reedição de Ao Vivo - Único e Exclusivo com faixas extras)
• 1994 - Se o Rádio Não Toca (Show em Brasília, 1974)

Caixas

• 1995 - Série Grandes Nomes: Raul (Caixa com 4 CDs e livreto ilustrado)
• 2002 - Maluco Beleza (Caixa com 6 CDs e livro ilustrado)

Ligações externas

• Sítio oficial
• Raul Rock Club
• Raul Seixas (Especial Estadão 2003)  

Vídeo

Raul Seixas - Eu Nasci Há 10 Mil Anos Atrás

     

  

Imagens

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 Biografias

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Elvis Presley
Elvis Presley (1970)
Nome completo:	Elvis Aaron Presley
Origem(ns):	Americana e Européia (Irlanda ou Escócia)
País de nascimento:	EUA
Data de nascimento:	8 de janeiro de 1935
Data de morte:	16 de agosto de 1977
Apelido:	O rei do rock
Período em atividade:	amadora: (jul 1953 - jun 1954) profissional: (jul 1954 - ago 1977)
Instrumento(s):	Guitarra, Violão, Piano e Baixo
Gênero(s):	Rock, R&B, Blues, Gospel, Country, Música romântica.
Gravadora(s):	Sun Records, RCA, Sony/BMG
Website:	Site oficial

 

  Polêmicas

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Drogas e medicamentos

 

Um fato bastante polêmico até os dias atuais é sobre a questão se Elvis usava ou não drogas ilícitas como cocaina, maconha e etc. Provavelmente Elvis usou em algum momento de sua vida algumas dessas drogas citadas acima, mas aparentemente não se viciou em nenhuma delas. Além disso, Elvis também fumava cigarro esporadicamente, como pode ser visto em algumas fotos raras. O que está provado é que ele se viciou em medicamentos, perdendo totalmente o controle a partir dos anos 70, quando o dr. George Nickopoulos receitava abusivas doses de medicamentos para Elvis, culminando assim na sua morte em 77. O referido médico foi levado ao Tribunal em 1981, acusado de receitar a Elvis um tratamento médico "ultrajante", mas foi absolvido. O fato é que Elvis era uma pessoa altamente complexa em sua vida pessoal e artística, uma pessoa de temperamento difícil, transformava-se de um instante para outro de uma pessoa alegre, simpática e falante em uma pessoa carrancuda e até mesmo infeliz; era, segundo pessoas próximas, hipocondríaco, o que talvez explique sua paranóia pela leitura de bulas de remédios e a alta quantidade de remédios que ingeria, tinha problemas no cólon (descolamento), o que lhe causava horríveis dores, além de problemas no fígado, essas enfermidades deterioraram todo o seu organismo e provocaram o mal cardíaco culminando com sua morte. Segundo J. D. Sumner, Elvis relatou em certa ocasião que tinha a impressão que não alcançaria os 50 anos de idade, pelo fato de outros familiares terem falecido antes de completar essa idade.

Uma outra polêmica envolvendo o nome de Elvis é a famosa frase "Elvis Não Morreu", surgida devido a repetitiva propaganda feita na TV brasileira, para a divulgação do filme de mesmo nome. Para alguns, essa frase tem um forte apelo comercial e de marketing, entretanto, muitos de seus fãs acreditam piamente que Elvis realmente ainda está vivo, ou, pelo menos, não morreu na data considerada oficial.

Muitos afirmam que Elvis já foi visto em diferentes localidades e que existiriam várias coincidências em sua suposta morte que comprovariam uma certa armação. Muitos dos que não acreditam nessa hipótese de Elvis estar vivo, dizem que simplesmente é mais uma daquelas teorias conspiratórias.

A frase igualmente tornou-se um jargão bastante difundido e usado pelos fãs e não-fãs de Elvis Presley em alusão a uma lenda urbana de que Elvis não teria de fato morrido e estaria vivendo numa ilha. A expressão também pode significar que Elvis é "imortal" na memória dos fãs.

·                         Um fato bastante comentado entre os fãs sempre foi sobre o suposto "pior show" de Elvis Presley que teria acontecido em 27 de Setembro de 1974 na cidade de College Park em Maryland. Rezava a lenda que Elvis estava mal de saúde, falava demais e cantava pouco, entretanto, esse "mistério" foi solucionado em 2006 com o lançamento do bootleg "Chaos In College Park", onde, segundo os ouvintes, mostra uma performance no geral de razoável para boa e até mesmo com momentos muito bons. Inclusive o título "chaos" foi avaliado como mentiroso e de mau gosto pelos fãs, afinal, o show não está associado a essa palavra, pelo contrário

·                         Gold Suit ou The Gold Lame Suit: Foi usada em 1957 em alguns shows, a famosa "roupa dourada", como ficou conhecida entre os fãs brasileiros, se tornou capa de um disco de 1959 chamado Elvis Golden Records Vol.2.

·                         Black Leather Suit: Essa é a famosa roupa de couro preta do especial da NBC de 1968, ele só a utilizou nesse especial.

·                         Aloha Eagle: Esse é um dos mais famosos, foi usado no show histórico do Hawaii de 1973, entretanto, essa não foi a única ocasião que ele o utilizou, Elvis também o vestiu em outros concertos no ano de 1973 e começo de 1974.

·                         American Eagle: É por vezes confundido com o "Aloha", foi um macacão usado por Elvis em alguns espetáculos no ano de 1974, inclusive, nos shows de Los Angeles, no qual, a banda Led Zeppelin marcou presença, esse que é considerado um dos melhores momentos de Presley nos anos 70.

·                         Benifit: É um daqueles em que o seu formato difere bastante em relação aos demais, considerado por alguns, como um dos mais simples e bonitos, usado em 1975.

·                         Azteca: Esse é eleito por boa parte dos fãs, como um dos mais feios usados por Elvis em toda a sua carreira, ele o utilizou durante alguns espetáculos de 1975 e 1976.

·                         Blue Bicentennial e White Bicentennial: Possuem esse nome (Bicentennial), devido a uma homenagem que Elvis queria prestar aos duzentos anos de independência dos EUA em 1976.

·                         Indian Feather: Segundo fontes, era um dos preferidos do rei do rock, devido ao fato que ele o utilizou durante alguns espetáculos de 1975 até 1977.

·                         Mexican Sundial: Um dos macacões mais famosos de Elvis, ele o vestiu durante boa parte do ano de 1977, sendo bastante reconhecido devido ao fato dele ter servido de vestimenta durante os shows que se tornaram em especial de TV, o Elvis in Concert, também foi utilizado no último concerto de Elvis em 26 de junho do mesmo ano.

·                         Historic Suit: Esse, segundo dizem, seria o macacão que Elvis usaria na sua turnê de agosto de 1977, a qual nunca foi realizada, evidentemente devido a sua morte no dia 16 de agosto de 1977.

Segundo aqueles que são ávidos de apresentações ao vivo de Elvis, principalmente da década de 70, ele demonstrava com maestria o seu poder vocal, e que até os dias atuais, ainda impressiona aqueles que não conhecem a sua carreira em sua forma mais abrangente; Elvis atingia em muitas de suas performances o chamado "dó de peito", que corresponde a nota músical "Sol 3", feita com voz de cabeça - como se fosse um falsete.

Para surpresa de alguns iniciantes em sua vasta obra, Elvis já dava sinais de grande poder vocal já na década de 50, principalmente em notas graves, a gênese desse futuro fenômeno vocal se deu, na avaliação de alguns, no ano de 1957. Dando prosseguimento a sua evolução como intérprete, Elvis atingiria na década seguinte, uma maturidade vocal bastante elevada, tanto em notas graves e agora também, em notas agudas; um marco dessa evolução, seria o álbum How Great Thou Art, gravado em 1966 e lançado logo em seguida, no início de 1967.

Elvis deu inicio a sua carreira profissional com apenas 19 anos de idade, portanto, o período de transição da adolescência para a fase adulta, a chamada puberdade, onde, a voz de Elvis estava em plena transformação, atingido assim a sua maturidade nos anos posteriores.

Com o uso constante da voz, as pregas vocais vão se tornando mais resistentes, respondendo muito melhor e mais prontamente, permitindo assim ao cantor atingir notas mais agudas e melhorar a qualidade sonora como um todo, fazendo assim de sua voz um verdadeiro instrumento, como dizem que era o caso de Elvis Presley.

O grande desafio de quem privilegia a extensão é a afinação, canto extremamente técnico, e Elvis conseguiu em várias oportunidades a conciliação difícil, segundo os especialistas. Uma das notas mais difíceis de se atingir é o "dó acima dó central", e Elvis atingiu muitas vezes em espetáculos ao vivo durante a década de 70, dito por especialistas.

Com um extenso alcance vocal e sua técnica de certa forma operesca, principalmente na década de 70, Elvis Presley se notabilizou por ser um dos mais impressionantes exemplos do que um cantor pode fazer com sua voz, transformando-a em um verdadeiro instrumento, provocando até dúvida em algumas pessoas, com os seus ceticismos, se as performances são mesmo de autoria de Elvis. 

Foto slide

Historia de Elvis Presley 

 

Ir para: Biografias

Supla, nome artístico de Eduardo Smith de Vasconcelos Suplicy, (São Paulo, 2 de abril de 1966) é um músico brasileiro, filho da ex-prefeita de São Paulo Marta Suplicy e do senador Eduardo Suplicy. É irmão do também músico João Suplicy

 Biografia

Iniciou sua carreira tocando versões do rock norte-americano e britânico das décadas de 50 a 70, entretanto, os estilos de suas composições estão mais ligadas ao punk e ao hardcore, e mais recentemente bossa nova.

Supla é conhecido por sua personalidade marcante e por não se importar com a opinião da imprensa, tanto nas críticas ao seu trabalho como também em eventuais elogios. Supla foi vocalista de diversas bandas em sua carreira, o início se deu no "Metropolis", depois "Zig Zag" (que mas tarde se tornou a conhecida "Tokyo"), além do "Mad Parade". Ele também fez parceria com outros nomes importantes do cenário rock n'roll, entre eles podemos citar a alemã Nina Hagen.

No começo da década de 90 participou de grandes festivais da música, como o Hollywood Rock e o famoso Rock in Rio, na sua segunda edição. Em 2001 voltou a participar do "Rock In Rio", agora já em sua terceira edição. Supla também se aventurou no cinema, participando de algumas incursões na sétima arte, contudo, não obteve muito êxito. No que se refere a sua participação televisiva podemos destacar algumas participações, como em uma mini-série e até mesmo uma telenovela.

O "papito", apelido pelo qual ficou famoso no ano de 2001, passou boa parte dos anos 90 no ostracismo, até que no ano 2000 o programa "Piores clipes do mundo", da MTV Brasil, decidiu pela exibição do seu clipe "Green Hair", logo alçado a "obra-prima trash" pelo apresentador Marcos Mion. Supla de início reclamou ("nunca passa clipe meu, e quando passa é no 'Piores!'"), entretanto, acabou por aceitar essa fama de o "rei do piores".

Devido á popularidade reconquistada, em 2001 Supla tocou no "Rock in Rio 3" e participou da primeira edição do Reality Show Casa dos Artistas, sendo considerado um dos grandes nomes da atração do SBT comandada por Silvio Santos. A sua popularidade no programa foi de tamanha repercussão que o seu álbum denominado "Charada Brasileiro" vendeu por volta de 600 mil cópias, um número elevado para a época, ainda mais se lembrarmos que era um disco vendido de forma alternativa. Nessa fase ele contava em seus shows com a banda "Holy Tree".

É avaliado por alguns como uma pessoa rebelde, tanto no seu modo de vestir, considerado "diferente" do chamado padrão imposto pela sociedade, como também os seus cabelos espetados, bem ao "estilo punk", esses mesmos afirmam que o fato dele ser filho de políticos contribui para o suposto preconceito. Apesar disso, segundo seus fãs e alguns críticos, tem um bom timbre de voz e mostrou seu talento principalmente no disco "Bossa Furiosa", sendo elogiado pela crítica especilizada.

• Em todas as suas entrevistas Supla sempre divulga o nome de Elvis Presley, um de seus maiores ídolos na música.

• É considerado um dos grandes jogadores da história do Rockgol, onde fora apelidado por Paulo Bonfá de "Juninho Papito".

• É descendente da importante Família Matarazzo.

 Discografia

• Vicious (2006)
• Menina Mulher (2004)
• Bossa Furiosa (2003)
• Político e Pirata (2002)
• O Charada Brasileiro (2001)
• Psycho 69 (1995)
• Encoleirado (1991)
• Motocicleta Endiabrada (1989)
• O Outro Lado - Tokyo (1987)
• Humanos - Tokyo (1985)

Videografia

• Só na loucura (2005)

Video-clipes

• Humanos (Anos 80)
• Psycho 69 (Anos 90)
• Green Hair (Anos 90)
• São Paulo (Anos 90)
• Break the Ice (Anos 90)
• Garota de Berlim (2002)
• Bizness (2003)
• Lingua Falou (2003)
• De Janeiro a Janeiro (2003)
• Cenas de Ciúme (2004)
• Hawaii (2004)
• Menina Mulher (2004)
• Aquela Sexta (2005)
• Tina (2005)
• Imagine (2006)

Televisão

• Sex-Appeal - Minissérie (Globo) - 1993
• Um Anjo Caiu do Céu - Novela (Globo) - 2001
• Casa dos Artistas - Reality Show (SBT) - 2001
• Familia MTV - Reality Show (MTV) - 2004
• Uns Videos Lá Em Casa - (MTV) - 2005

Filmografia

• Rock Estrela - (Performer Tokyo - vocal) (1986)
• Uma Escola Atrapalhada - Personagem: Carlão (1990)
• Sua Excelência, o Candidato - Personagem: Texan (1992)
• Eliana em O Segredo dos Golfinhos (2005)
• O Filho do Máscara - Dublador (2005)
• Poeta da Vila - Noel Rosa - Personagem: Mario Lago (ator e compositor)

 Prêmios

• Troféu Imprensa (SBT) - Revelação da Televisão por sua participação na Casa dos Artistas (2001)
• Troféu APCA (Associação Paulista dos Críticos de Arte) - Revelação da Televisão por sua participação na Casa dos Artistas (2001)
• Prêmio Internet (SBT) - Revelação da Televisão por sua participação na Casa dos Artistas (2001)
• Prêmio Internet (SBT) - Melhor Cantor (2001)

Músicas

Supla - Arrasa Bi

   

Veja mais cliando neste link (Vídeos Supla) 

Ligações externas

• Página oficial

 

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Sua carreira é marcada por grandes parcerias como Cazuza e Júlio Barroso, mas, em contrapartida, tem inimizades pelos grandes atritos gerados ao expor sua opinião. É autor de Me Chama, uma das canções mais regravadas de todos os tempos.

• Cena de Cinema (1982)
• Ronaldo foi pra Guerra (1984)
• O Rock Errou (1986)
• Vida Bandida (1987)
• Cuidado! (1988)
• Sob o Sol de Parador (1989)
• Vivo (1990)
• O Inferno é Fogo (1991)
• Nostalgia da Modernidade (1995)
• Noite (1998)
• A Vida é Doce (1999)
• 2001: Uma Odisséia no Universo Paralelo (2001)
• Canções Dentro da Noite Escura (2005)
• Acústico MTV (2007)

• Site oficial (www.lobao.uol.com.br)
• Revista Outra Coisa (www.revistaoutracoisa.com.br)

 

Lobão (Rock do Diabo, Raul Seixas)

   

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Origem: Mister Dinamite.

• Benny Andersson
• Agnetha Fältskog
• Anni-Frid Lyngstad
• Björn Ulvaeus

• Ring Ring (1973)
• Waterloo (1974)
• ABBA (1975)
• Arrival (1976)
• ABBA - The Album (1977)
• Voulez-Vous (1979)
• Super Trouper (1980)
• The Visitors (1981)

• 1975 - Greatest Hits
• 1979 - Greatest Hits vol. 2
• 1980 - Gracias Por La Música
• 1982 - The Singles - The First Ten Years
• 1986 - ABBA Live
• 1992 - ABBA Gold - Greatest Hits
• 1993 - More Abba Gold - More Abba Hits
• 1994 - Thank You For The Music
• 1999 - ABBA ORO - Grandes Exitos
• 2001 - The Definitive Collection
• 2005 - The Complete Studio Recordings
• 2006 - ABBA Number Ones

• 1999 - The Winner Takes It All
• 2003 - The Definitive Collection
• 2003 - ABBA Gold
• 2003 - ABBA In Concert
• 2004 - The Last Video
• 2004 - Super Troupers
• 2005 - ABBA The Movie
• 2006 - ABBA 16 HITS
• 2006 - ABBA Number ones

• Página oficial (em inglês)
• Várias coisas sobre os ABBA (em português)

Abba - Dancing Queen

 

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